O Black Keys nasceu em 2001 na cidade de Akron, no estado de Ohio, formado por Dan Auerbach, vocalista/guitarrista, e Patrick Carney, baterista/produtor. O formato compacto da banda sempre favoreceu a crueza de seu som, o que se mostrou perfeito para resgatar a simplicidade originária do blues e do rock. Por 5 álbuns consecutivos (além de EPs, disco ao vivo e investidas solo), a mensagem da dupla parece refletir um fato: o blues não é apenas uma etiqueta nas prateleiras de disco, ele é um princípio, uma fonte que propiciou o nascimento de uma infinidade de estilos hoje já consagrados. Isso não significa, no entanto, que o blues tenha que ficar estancado no passado. Brothers, o novo e sexto disco do Black Keys, é mais um motivo para acreditarmos nisso.

Por 15 faixas, o disco flui como o velho delta do Mississippi, onde os mais longínquos espíritos do blues acabam desaguando no turbulento rock and roll, mas por onde escoam também timbres que visitam o R&B, gospel, soul music, country, e uma bela dose de experimentação. É como uma página da música norte-americana. Há mais de 60 anos atrás, o canto melancólico que ecoava pelas plantações de algodão ganhava os lábios de centenas de jovens que não sabiam exatamente o que faziam no mundo, mas precisavam de alguma voz. Essa voz era o blues, mas o grito virou o rock. E para conseguir gritar tão alto, as guitarras pareciam ter finalmente encontrado sua real vocação: poder gritar o mais alto possível! OK, não é exatamente uma história nova. O rock and roll, o soul e o R&B nasceram do blues. Mas pelo menos, o Black Keys consegue recontar essa história sem cair no comum e batido.

Além de boas composições e melodias bem costuradas, a banda revela um incrível talento para timbrar e casar os instrumentos com as linhas vocais e efeitos sonoros. Isso fica ainda mais evidente pelo fato de que os próprios músicos produziram o disco (com exceção da faixa “Tighten Up”, produzida por Danger Mouse, com quem o Black Keys já havia trabalhado no disco anterior, Attack & Release). Todas as faixas incorporam algum elemento marcante, como ambiências soturnas, backing vocals femininos (cheios de soul) dispersos pelo disco e acordes de guitarra que parecem saídos de uma vitrola antiga. A maior parte de Brothers foi gravada nos estúdios Muscle Schoals Sound em Alabama, por onde já passaram nomes como Aretha Franklin, Willie Nelson, Bill Haley, Rolling Stones e Bob Dylan. Um time conveniente para um disco que percorreu por tantas inspirações.

Os vocais de Auerbach são aveludados e muito característicos, sempre transbordando musicalidade. As guitarras interagem muito bem com os efeitos escolhidos, oscilando entre as mais diversas texturas sonoras, mas sempre mantendo o foco vintage do disco. Como sempre, a bateria de Patrick Carney soa impactante, pulsando como o tenso “tic tac” de uma bomba relógio a ponto de explodir. O carrossel sonoro é completado por passagens sinistras de teclado e o auxílio do baixo para incrementar o groove.

O disco abre com “Everlasting Light”, uma faixa certamente peculiar, carregada de embalos magnetizantes que soam como um aperitivo para o caráter experimental do álbum. O rock entra sem pedir licença já na segunda faixa, “Next Girl”, que agrega uma levada delirante, combinando tremolos e wahs pulsantes com reverberações ultra saturadas. “Tighten Up” é de longe a melhor faixa do disco, cativa já nos primeiros acordes com seu ritmo hipnótico, e se torna verdadeiramente arrebatador com a chegada da primeira estrofe. “Howlin for You” uiva a doce libertinagem dos refrões do rock, uma espécie de “Rock and Roll (part two)”, clássico do glam rock setentista de Gary Glitter, mas com vocais embriagados. Talvez uma das melhores impressões que o disco passe é a facilidade que a banda demonstra para transitar entre épocas e sonoridades tão distantes, mas sem perder a coesão. Enquanto o riff de “She’s Long Gone” berra os anos 70, com overdrives cheios e quentes, além de lindos fraseados de gaita executados na guitarra, o clima sombrio de “Too afraid to Love you” é uma combinação de teclados “draculescos” (quase um cravo medieval) com vocais etéreos e uma melancolia onipresente. A cápsula do tempo guarda canções tenras como “Ten Cent Pistol” e um cover da clássica “Never Give You Up”, de Jerry Butler.

O pacote de Brothers beira uma conclusão simples: apesar de soar tão inventivo e moderno, o disco ainda confirma as maiores devoções do Black Keys, filhos do indomesticável rock n’ roll, netos do blues mais enraizado dos mangues do Delta. Essa parece ser a ideia. Talvez não seja aquele tipo de disco que seduza já no primeiro acorde (com exceção de “Tighten Up”), mas é bem possível que agrade aos roqueiros mais flexíveis e entusiastas do blues que não tenham medo de dar uma chance ao novo. Bem, de certa forma, se não fosse por uma atitude como essa, o rock dificilmente teria nascido e conquistado o mundo.

O subversivo é sedutor, sempre foi.

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com SLASH

com CHET ATKINS

com BRIAN MAY

com ARLEN ROTH e ALBERT LEE

com B. B. KING

com Sir PAUL MCCARTNEY

DOIS ÍCONES

O grande músico: (1915-2009)

A herança: (1952-ETERNO)

Os amplificadores blackfaces da Fender, da década de 60, são assim chamados por causa do plate preto onde ficam os controladores. Essa foi uma era de ouro para a Fender nas experimentações de circuitos para seus amps, o pequeno período blackface que cobre o início dos 60, mais ou menos, até fevereiro de 65, quando a empresa gradativamente começa a se reestruturar, que compreende a chamada era pré-CBS da Fender (antes de ser comprada pela Holding CBS, que detem o canal de TV), fez a Fender triunfar de vez no ramo de amplificadores, um destino que já estava selado desde a era Tweed de amps da década de 50. São dessa época os clássicos Deluxe Reverb (o amp mais gravado da história da guitarra), Bassman pós tweed (o amp do Brian Setzer), Princeton, Princeton Reverb, Tremolux (que começa a ficar raro de se encontrar), Bandmaster (o campeão de vendas em amps de médio porte, excelente custo/benefício na época), Vibro King (por muito tempo o amp predileto do Clapton e do Robert Cray), Vibrolux, Vibroverb, Champ e Vibro-champ (de 5 watts) e o Super Reverb combo com 4 falantes de 10 polegadas integrados.

Pois bem, há um tempo atrás, quando pesquisava mais sobre esse período específico de amps Fender, acabei me deparando com uma verdadeira aventura protagonizada por um cara que conta toda a história de restauração de um Super Reverb que ele pagou míseros 10 dólares em garage sale. Tratava-se de um Super Reverb de 66 que mais parecia uma pilha de madeira podre. O texto era extremamente divertido e acabou virando um clássico dos meus favoritos.

Acompanhe essa história, clique em “manter a leitura”

Eu pessoalmente já ouvi muitas historinhas, algumas pouco críveis mas divertidas, como a de um rapaz que encontrou uma stratocaster pré-CBS no porão, que o avô teve oportunidade de trazer dos EUA; outro menino, num forum por aí q nem vou citar, perguntando se alguem sabia a respeito de um amplificador que se chamava Princeton e se valia mais que 1000 reais !!!! (que ele chamou assim porque os princetons e outros amps fender até 64 não vinham com o ‘fender’ cromado na tela frontal, apenas o nome do modelo é que vinha no plate), etc etc etc.

Mas enfim, o cara conta que pagou 10 dolares, é fato, mas só depois ele descobriu a meia besteira q havia feito, pegou o Super Reverb simplesmente fedendo a madeira podre de pântano (descrição fiel do cara), 6 dos 10 botões estavam faltando, 60% do tolex de revestimento foi regrampeada (?!), tinha spray preto por tudo quanto é lado; o layout original com os 4 falantes de 10 tinham dado lugar a um layout para um falante de 15, a tela frontal prateada (famoso silver grill cloth fender) estava simplesmente rasgada e toda remendada com diferentes telas. Olha aí uma foto dessa coisa.

A primeira coisa que ele decidiu fazer foi restaurar a madeira do gabinete, que nessa época era toda feita com madeira maciça (entendem por que é conhecida como a era de ouro da fender?); consequentemente, comprou um tolex preto novo pra revestir todo gabinete. Ele comprou um layout novinho de 4 falantes da Rodgers Amplifiers, q se especializa em recriar o grill cloth, o tecido prateado, envelhecido com o tempo, como se pudesse condensar as milhares de noites sob suor de músicos, sob garrafas de cerveja e milhões de baforadas de cigarro. Veja o trabalhão q deve ter dado.

Agora a parte propriamente elétrica e componentes eletrônicos, sempre complexa quando se lida com amps dessa idade e ainda mais sob nenhum cuidado, como foi o caso. O primeiro dono do amp fez uma série de modificações desnecessárias e prejudiciais ao amp; ele por exemplo instalou um master volume no lugar do botão de intensidade do vibrato; outra besteira que fez foi colocar um falante de 16 ohms e ligá-lo na impedância original de 2 ohms dos Super Reverbs. Tudo isso teve que ser revertido, resoldou o circuito do vibrato corretamente. Ligou em 4 falantes novos da MOJO, os MP10r, fantásticos, muito superiores inclusive aos originais (tá certo q muita gente acha isso heresia, mas discordo, é um fato que falantes MOJO ou WEBER serão melhores que qualquer outro falante dessa época, mesmo os JBLs).  Fez um completo retube, utilizando inclusive um Ruby STR-7025 da Lord Valve, raríssimo e caro, mas com uma compressão inconfundível. Sylvania 12AT7s pro circuito de reverb e GZ34 da Tesla como retificadora (mesmo padrão de retificação dos Vox AC-30 e Marshalls 1974 de mesma época, produzindo muita compressão e extremo dinamismo em altos volumes). Fim de história, amp prontíssimo, é uma pena que o cara não postou nenhum audio ou video do resultado final, mas certamente foram talvez os 10 dolares mais bem investidos e suados que esse cara já usou na vida dele. Pessoalmente deve ter sido uma expperiência fascinante com um retorno inexprimível quando encaixou finalmente o cabo no plug e estrondou a casa inteira com 4 MOJOS gritando na orelha dele.

créditos especialíssimos: www.thevintagesound.com/ffg/66_super

A história original, no entanto, estava na Ampwares.com, que detinha também o falecido The Fender Amp Field Guide, ótima fonte para informações sobre amplificadores Fender. Onde foi parar essa maravilha hein?

Até mais!!

Gibson Les Paul Goldtop, com captadores Moollon, ligado direto em um amp Fender Deluxe Reverb vintage de ’65.

2) O menor atalho para o timbre do Stevie Ray Vaughan: uma Strato e um Vibroverb.

Note o som cremoso que sai do Vibroverb quando são adicionadas válvulas 5751 no estágio de pré-amp. Um dos melhores timbres que já ouvi, mesmo com gravação tosca.

3) Slash fazendo uma visitinha na Marshall para buscar seu brinquedo: um amp Custom de baixa wattagem para ensaio, feito sob encomenda.

Até a próxima!

A  Tokai Gakki Co. é uma fabricante japonesa de guitarras que despontou no mercado em meados da década de 60. À essa época, o mercado japonês era ávido especialmente pelos modelos americanos de guitarras, uma persistência que eclodia do desejo crescente de se aproximar de tudo que convergia para a cultura ocidental do pós guerra; neste sentido, o imaginário que rondava o rock n roll, o blues, o jazz e todos os demais estilos para os quais a guitarra se tornara uma bandeira no mundo ocidental, acabou rompendo as fronteiras geográficas e desembocando com toda força na sociedade japonesa. Mas ter uma guitarra elétrica a essa altura do campeonato em um Japão que ainda se reerguia da segunda guerra, embora em ritmo surpreendente, era algo extremamente raro. Não havia uma rede consolidada de distribuidoras e o acesso a esses equipamentos sofria um enorme embargo por diversos fatores, desde razões geográficas até  profundas dissonâncias culturais que não poderiam ser totalmente assimiladas da noite para o dia. Pois é, mas também não demorou muito tempo para que os japoneses arrumassem outro caminho para solucionar o desejo de empunhar uma guitarra elétrica assim como os seus ídolos do ocidente faziam.

A saída mais natural para esse problema refletiu a mesma idéia que tornou a desenvoltura tecnológica japonesa conhecida no mundo inteiro. Em todas as escalas industriais imagináveis, de bens duráveis de baixo a alto custo, os japoneses foram mestres em assimilar os avanços tecnológicos do ocidente, podendo não só reproduzí-los à perfeição como aperfeiçoá-los em alguns casos, a ponto de ameaçar as empresas ocidentais, oferecendo muito mais eficiência de produção e maximização da qualidade. Com instrumentos musicais não foi diferente, Stratos, Les Pauls, Electric Spanish (ES), J200s, SGs acabaram embarcando no oriente com toda força. Acredite ou não, eles conseguiram até levar alguns Guitar Heroes deste lado do mundo para o oriente, assinando contratos de endorsement curiosos. De quem poderia estar falando? Bem, uma dica, era um cara do Texas ainda no começo de sua metéorica carreira.

Clique no link “manter a leitura” para conferir essa história

Mais ou menos ao final da década de 60, num início ainda tímido, a Tokai já fabricava réplicas tão perfeitas de Gibsons acústicas, como a J200 (um clássico dos violões acústicos Gibson), que se não fosse pelo logotipo Tokai incrustado no headstock, elas se passariam facilmente por uma autêntica Gibson.

Tokai J299, cópia perfeita das J200 da Gibson

Mas especialmente a partir da segunda metade da década de 70, a Tokai resolveu entrar de vez na fabricação de guitarras sólidas, tanto o modelo Stratocaster, imortalizado pela Fender, quanto modelos bem mais complicados de serem reproduzidos, como as Gibson Les Pauls, com braço colado ao corpo, uma técnica que exigia bem mais do que o simples aparafusamento do braço como nas Stratos, começaram a ser fabricados numa escala considerável.

Les Pauls da Tokai: Cópias da Custom e das Standards Cherryburst, reedições da década de 50

Cópia da ES-335 da Gibson, lindo finish cherry sunburst bem arrematado nas laterais

Detalhe da qualidade do tampo de uma Tokai, lindo figured maple com finish natural.

Cópia da SG da Gibson

Em 1982, o fenômeno Tokai já havia chegado ao outro lado do pacífico, e começava a competir, vejam vocês, com os modelos que algum dia lhe serviram de inspiração. As Stratocasters da Tokai eram tão bem construídas e acabadas, que a Fender começou a sentir certas dores de cabeça com essa situação. Não havia pior momento para a Fender, para se ter uma idéia, muitos se referem ao perído da década de 80 da Fender (um período de profunda reestruturação da empresa, comprada da CBS por uma rede de acionistas que agiam às cegas) como a época em que a Fender estava com um pé no chão e o outro na cova, ou porquê não dizer, no “bico do corvo”. E justamente nesse período tão complexo, chegavam à costa oeste carregamentos com lindas Stratocasters Tokai, feitas com tamanha qualidade e esmero, que as faziam chegar bem próximas aos padrões da época de ouro da Fender, que compreende a década de 50 até meados de 60.

Linda Tokai Stratocaster na cor Candy Apple Red da década de 80, reedição das pré-cbs

O revide da Fender foi meter um baita processo contra a Tokai na côrte de comércio, provavelmente contendo denúncias de concorrência desleal e infração de patente. A Fender, logicamente, tinha a seu favor a obviedade das cópias. Contra si pesava a tristeza de ver uma empresa estrangeira, ainda mais de um lugar à época tão inusitado, fabricando guitarras muito superiores à sua produção, que como já disse, já ia se afundando desde meados dos ’70. Muitas pessoas migraram para a credibilidade do produto japonês, inclusive um blueseiro que começava a ganhar o mundo, assinou com a empresa um contrato de endorsement, numa incrível jogada de marketing da Tokai para abafar as polêmicas e arrefecer a desconfiança no mercado. Era nada mais que Stevie Ray Vaughan, Mr. SRV, no começo dos anos 80 cumpriu um contrato junto a Tokai de cessão de equipamentos. As Stratos Tokai dessa época, portanto, se valorizaram consideravelmente no mercado paralelo que dura até os dias de hoje.

Anúncio publicitário da Tokai com Stevie Ray Vaughan

Recentemente, a Christie’s (é essa mesmo, a mesma casa de leilões do post abaixo da Strato do Jimi) pôs a leilão uma das Tokais do contrato de endorsement com Stevie, ou seja, uma de suas guitarras pessoais, embora possivelmente não haja nenhum registro dele a tocando ao vivo. Do lote 2179, a guitarra é uma Strato na cor pouco usual natural cherry sunvurst finish, 21 trastes, captadores single-coil e utilizada por Stevie num anúncio publicitário, em que é visto nítidamente empunhando a guitarra. Estimativa está entre US3000 e US$5000. Bem, não é a mesma coisa que a “última strato do hendrix”, mas é muito interessante.

A Tokai de Stevie Ray Vaughan leiloada pela Christie’s

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A casa de leilões Christie’s lançou um lote especial, mais precisamente o de número 5871 referente a Julho deste ano, contendo a seguinte jóia: Nada mais, nada menos que uma das últimas Stratocasters adquiridas por Jimi Hendrix na Manny’s Music (uma tradicional loja de instrumentos em Nova York que alçou sua fama na carona de artistas como Hendrix, Clapton, Jeff Beck e muitos outros) para futuras gravações na Electric Lady Studios, de onde provavelmente sairia seu próximo disco, não fosse a tragédia que o levou em setembro de 1970. Ou seja, estamos falando de uma guitarra que poderia ter se tornado A! guitarra do set pessoal de Jimi, pois tudo indica que este foi mesmo seu primeiro propósito.

A guitarra em questão é uma Fender Stratocaster na cor sunburst de 1970, serial number 274200, escolhida a dedo por Eugene McFadden (assistente das turnês de Hendrix pelos EUA), seguindo estritas instruções de Jimi (provavelmente bastante minuciosas), dentre dezenas que haviam na loja. Como de praxe, a guitarra ficou ainda na Manny’s para regulagens finais, seguindo as especificações solicitadas por Jimi.

Fender Stratocaster 1970 de Jimi

Detalhe do lindo corpo em sunburst faded, já envelhecido e com diversas marcas de uso

O braço dessa strato em particular é em maple, com escala clara, favorita de Jimi, 21 trastes e seletor de 5 posições.

O corpo contem ainda uma inscrição, assinada de próprio punho por Noel Redding, baixista do The Jimi Hendrix Experience, com as seguintes menções: Good Luck, Noel Redding. Acompanha também o case original da Strato, timbrado com a inscrição J. H. EXP. em spray; aliás uma prática comum com os equipamentos de Jimi, pois há diversos cases ou mesmo amplificadores devidamente documentados que foram timbrados da mesma forma.

Case com as inscrições J. H. EXP.

Good Luck

Acompanha ainda 5 documentos de autenticidade:

a) Cópia facsimile da nota fiscal original da Manny’s Music Instruments 146 West 48th St. NEW YORK, de Julho de 1970, contendo a descrição do modelo, o serial number, o preço pago no valor de US$275.60, uma inscrição dizendo For Jimi Hendrix e a assinatura de McFadden.

Nota autenticada da Manny’s Music NEW YORK

b) Um documento digitado e assinado por McFadden confirmando a autenticidade de sua assinatura no primeiro documento.

c) um documento escrito de próprio punho e assinado em 1994 pelo então vice-presidente da Manny’s Music, Stuart Muskowitz, confirmando a autenticidade da nota da Manny’s. Além disso, confirma que a Fender Stratocaster de serial number #274200 fôra um dos modelos especialmente selecionados para Jimi e regulado pela própria Manny’s.

d) documento escrito e assinado por Noel Redding, 4 de outubro de 1994, atestando o seguinte: “Confirmo que Jimi Hendrix utilizou esta guitarra na festa de abertura da Electric Lady Studios, Nova York, 2 de agosto de 1970, na qual também estava presente. Noel Redding.”

e) dois documentos escritos e assinados por Arthur e Albert Allen do The Ghetto Fighters [que gravaram com Jimi na Electric Lady Studios em 70], também atestando que Jimi utilizou a guitarra no mesmo evento mencionado por Noel Redding.

A Christie’s estima que a guitarra será vendida entre US$114,800 e US$147,600, um valor beeem abaixo por exemplo em relação à guitarra branca que Jimi usou na sua antológica apresentação em Woodstock e que foi arrematada por US$750,000. Uma pechincha não é mesmo? Hahaha, brincadeiras à parte, a estimativa é realmente baixa, mas isso não quer dizer que o arremate final será dado dentro destes limites. A estimativa relativamente baixa para um item dessa ordem se deve ao fato de que há apenas testemunho ocular e nenhum testemunho mais enfático, como fotografias, por exemplo. De qualquer maneira, trata-se de uma memorabilia do rock que há muito tempo não se via nas casas de leilões, realmente incrível.

É isso aí,  basicamente a guitarra do Hendrix para o disco que nunca ocorreu. Quer mais que isso?

Muitos de vocês já estão inteirados da fama dessa mini magnificência de amplificador, escolha número 1 de 10 entre 10 músicos em quesito de gravação de valvulado saturado. A Fender já vinha há um tempo reeditando exaustivamente seus modelos blackfaces da década de 60, vertendo enorme empenho para assegurar um bom produto final mesmo com todos os empecilhos da produção massificada, o que obrigou a Fender a reduzir custos guilhotinando a qualidade de alguns componentes dos amplificadores. Mas conversando recentemente com um handmaker de valvulados, com conhecimento técnico específico, andei mudando minhas opiniões sobre essa, digamos assim, leve prática negligente da Fender. Ele fez questão de salientar uma melhora significativa na qualidade geral da construção dos amplificadores Fender Reissue, especialmente nas últimas três temporadas, inclusive nas placas de circuito impresso e na precisão das demais soldas, que era o calcanhar de aquiles dos amps até então. Mas dessa vez não há papo, em razão de inúmeros pedidos de fanáticos pelo Champ Tweed, a Fender resolveu reeditar a versão de 57′ do Champ, dessa vez porém, confiando sua produção aos construtores dedicados da Fender, oferecendo um trabalho quase artesanal na fabricação.

O circuito do 57′ Champ ressuscita o clássico design 5F1, equipado nos originais, sendo portanto todo soldado a mão (hand-wired) e ponto-a-ponto (PTP), o que o qualifica a ingressar na divisão mais classuda e exclusiva da Fender, a linha “Custom”, que já integra os consagrados “’57 Deluxe“, “57′ Twin-Amp” e “Vibro-King“. Além disso, entrega 5 watts em um falante Alnico de 8 polegadas, Weber Special Design 4Ohm. Apenas um controlador, de VOLUME, com o clássico knob “chicken head” preto, luz piloto estilo diamante, gabinete todo feito em pinho maciço com juntas articuladas (finger-jointed) e revestimento Tweed com acabamento lacqueado. A configuração de válvulas segue a ordem tradicional, 1 válvula do tipo 6V6 na potência, uma 12AX7 no estágio de pré e uma válvula do tipo 5Y3 para retificação.

Se os videos estiverem corretos (e não duvido da idoneidade da Fender nesse sentido), essa reedição parece recriar até o “último fio de tweed” a essência dos narrow-panel endiabrados da década de 50. Os amps dessa época se destacam em primeiro lugar pela extrema dinâmica que oferecem, entregando nas mãos do guitarrista, abandonado à própria sorte, o destino de seu timbre. A interação entre o guitarrista e o amplificador se desdobra em ampla profundidade, persuadindo o músico a buscar seu próprio som e sua maneira de tocar, podendo mesclar sonoridades doces e tenras com distorções “roucas” e furiosas  com uma simples alteração de ataque nas cordas. Outra coisa que impressiona nesses amps é o poder que seu som inspira, mesmo com a wattagem tão baixa. O Champ tem uma saturação de válvula de potência inconfundível, tanto que o icônico ”cranked champ tone” já praticamente virou uma expressão a se zelar nos círculos de colecionadores e amantes de timbres. Essa saturação tem um quê de misticismo e folclore, não a toa. Quando provocado, o som saturado que sai de um Champ é tão poderoso que parece rasgar o ar como um supersônico. Muito mais que isso, o Champ é o único amp que consegue soar como uma voz rouca de whiskey entoando refrões de blues em algum rincão do Mississipi. Não é pouca coisa não meus senhores. Se duvidam, confiram os videos por favor.

Não há ainda preço para o ’57 Champ.

Acompanhem ao final os ótimos videos de demonstração do 57′ Champ

Traseira do ’57 Champ

Detalhe do circuito PTP soldado a mão

Visão frontal do ’57 Champ

Clique no link “manter a leitura” para conferir os videos de demonstração

“A primeira dama do rock n’ roll”. É dessa maneira, com essa alcunha tão admirável, que muitos até hoje se referem à cantora e guitarrista Mary Kaye (nascida Mary Ka’aihue, no Hawaii), especialmente aqueles que viveram os anos 50, a grande década de ruptura de um mundo tímido e camponês para o mundo voluptuoso e barulhento do rock. Mary foi pioneira absoluta em sua geração, símbolo forte de rompimentos e das reivindicações que não conseguiam mais seguir caladas e reprimidas. Em plenos anos 50, mais precisamente 1956, essa devia ser a primeira impressão para quem, numa leitura distraída de catálogo comercial, de repente se deparasse com um anúncio de guitarras com uma  mulher, e dessa vez não era uma figurinista de fundo de bastidores com um sorriso amarelo, era simplesmente uma mulher empunhando uma guitarra!! Lembre-se, estamos falando dos anos 50, ainda havia segregação racial nos EUA e mulheres não eram muito mais que uma propriedade de seus maridos, que vinham no pacote junto com a casa própria e o Oldsmobile da família. A imagem de Mary Kaye é o equivalente a um ”Martin Luther King” das mulheres no cenário do rock e da guitarra, um marco da libertação feminina nos anos 50, quando a àgua ainda estava começando a borbulhar, pronta para ferver na década seguinte.

Mary Kaye Trio (1956): Foto do catálogo da Fender de 56

Em 1956, a Fender decidiu promover um anúncio com o “Mary Kaye Trio”, grupo de Mary, precursor do fenômeno “lounge” nascido em Las Vegas. Este anúncio é bastante significativo da história da Fender, pois nele figura a primeira guitarra ‘custom’ de sua história, introduzindo opcionais estéticos em relação aos modelos two-tone sunburst de 1954; é portanto a primeira investida da Fender na segmentação de sua produção, oferecendo ao consumidor diferentes padrões de qualidade e preço, podendo acrescentar, de certa maneira, opcionais como ferragens douradas. O novo modelo, lançado comercialmente em 1957, era uma Fender Stratocaster feita com corpo em ash, braço em maple com escala clara, na cor blonde e principalmente, com ferragens douradas, a jóia da coroa.  No catálogo, ela era simplesmente descrita como “Blonde/gold parts”. Ao preço de US$330,00 você poderia adquirir uma, com opção de levá-la no case tweed, acrescidos mais 49 dólares. O que verdadeiramente impulsionou a venda dessas guitarras foi a foto de Mary Kaye no catálogo, de forma que quando as pessoas iam às lojas, não pediam pela Stratocaster Blonde/gold parts, e sim pela Strato da Mary Kaye, de forma que essas guitarras acabaram sendo batizadas de “a Mary Kaye” nos primeiros círculos de colecionadores. As stratos “Mary Kayes” originais estão certamente no grupo das guitarras Fender mais colecionáveis, muito difíceis de serem encontradas no mercado. A Custom Shop reeditou a ”Mary Kaye” em 87, com uma tiragem extremamente limitada, e por isso, só essas reedições já podem chegar a US$10.000 nos EUA. A “Mary Kaye” é o anjo barroco das Stratocasters, digamos assim, elegantes e suntuosas, porém simples.

Detalhe das ferragens douradas

Detalhe da cor Blonde sobre o corpo ash

Mary Kaye da Custom Shop, 87′

Reedições… tá aí um assunto que merece um melhor aprofundamento, quem sabe mais tarde não é mesmo? Para vocês terem uma vaguíssima idéia, a divisão Custom Shop da Gibson, que na reestruturação recente da empresa passou a deter monopólio de alguns modelos, como a Les Paul Custom, as reedições Custom Historic e todas as Electric Spanish (as semi-acústicas ES), já tem provavelmente fechado um portfolio de futuras reedições para os próximos dois anos, tudo cronometradinho, de forma que cada relançamento atenda às devidas metas da Gibson. Isso faz sentido, não é “promiscuidade” da Gibson, ela é antes de tudo uma empresa e, oras, tem que pagar no final do mês seus funcionários… NORTE-AMERICANOS! Não é pouca grana não. Muita gente reclama dos preços exorbitantes que a Gibson pratica, o que para muitos faz parte de suas estratégias mercadológicas de manterem os preços a acesso bastante restrito de forma que isso se converta em algum “prestígio” elitizado em favor da marca. Ora, isso é besteira, é paranóia, é síndrome persecutória, sei lá. É claro que quando você compra uma Gibson, você compra um valor agregado, que demandou muito empenho para ser construído. A Gibson pode ter diversos defeitos e, de fato, alguns preços praticados parecem estar completamente fora da realidade, mas é um fato que a empresa mantém um padrão de construção e preciosismo artesanal invejáveis a qualquer empresa do ramo, ainda mais mantendo tamanha qualidade com um catálogo tão imenso de modelos standards, reedições e novos lançamentos. Mas enfim, a gente continua essa história depois.

O fato é que a Gibson resolveu relançar o modelo Wilshire da Epiphone, lançada inicialmente na década de 60. À época, a Wildshire já era um projeto solid-body próprio da Gibson, já que a Epiphone já havia sido adquirida pela Gibson em 1957 e sua produção toda deslocada para a tradicional planta de Kalamazoo em Michigan. Propriamente em 1959, a Gibson tomou a decisão final de não dissolver a marca Epiphone, que já havia se consolidado com seus consumidores, e resolveu então não só seguir a produção dos modelos antigos como também projetar e criar novos modelos feitos inteiramente na planta de Kalamazoo. De 1959 até início dos 70, as guitarras e baixos Epiphone de corpo sólido (solid-body) foram produzidas em escala bastante limitada, já que a produção se concentrava nas solid-body da Gibson, especialmente o modelo SG, que verteu enorme empenho da empresa na sua promoção e divulgação, aliás com total êxito.

Em 1960, a Gibson lançou a Wilshire, uma guitarra de corpo sólido configurada com dois captadores P-90, ponte Tune-O-matic, corpo de mogno e braço em uma única peça, colado ao corpo. Inicialmente, a idéia da Gibson era a de jogar a Wilshire no mercado para competir com as Fender Stratocasters, até então o padrão de guitarra em corpo sólido, e certamente o modelo mais popular. Em 1962, você poderia adquirir uma Wilshire por US$210,oo. O detalhe é que esse preço foi mal calculado, pois a produção naquele ano das Wilshires foi bem abaixo do que a Gibson inicialmente planejou, apenas cerca de 180 guitarras foram produzidas. Não demora muito para entender o que aconteceu, certo? A escassez dessas guitarras, especialmente a de 62, e a enorme publicidade atraída pela idéia de uma “stratocaster” da Gibson fez os preços da Wilshire subirem paulatinamente, primeiro em duas décadas, depois de ano a ano. Uma Wilshire, específicamente deste ano, pode chegar a incríveis US$12.000 no mercado norte-americano. Bem, o problema é que o relançamento então ficou salgadíssimo por causa de toda essa especulação, o list price sugerido pela Gibson (que está bem acima do preço final praticado pelas distribuidoras de instrumentos musicais, apesar de tudo) é de US$4.832. A Gibson inclusive apresentou um gráfico demonstrativo da valorização de mercado das Wilshires:

A reissue da Wilshire chega às lojas com corpo e braço feitos em mogno, escala escura em jacarandá, sem frisos, dois captadores P-90 com polos ajustáveis, trastes medium/jumbo, tarrachas Kluson, 2 controladores de volume, 2 de tonalidade, ferragens cromadas e potenciômetros CTS, case e o escudo em Tortoise com o clássico lôgo E da Epiphone posicionada entre os captadores. Vem ainda com uma camiseta (!), palhetas especiais(!!) e correia customizada. Virá apenas na cor branca.

Epiphone Custom Historic USA 1962 Wilshire Reissue

Detalhe dos captadores e logo Epiphone

Detalhe do headstock

notícia original: http://www.gibson.com/en-us/Lifestyle/ProductSpotlight/NewModels/presenting-wilshire-601/

O guitarrista Paul Gilbert, virtuose excêntrico e de figurinos tão mirabolantes quanto suas composições, trabalhou em conjunto com a Ibanez, sua atual endorser, em cima de uma guitarra que agregasse um novo design com funcionalidades adaptadas ao estilo de Paul. O resultado final foi uma guitarra de inspiração no mínimo curiosa: bombeiros.

Tudo começou em 2007, quando Gilbert pegou uma imagem da já clássica Ibanez Iceman e a inverteu usando um editor de imagens. O resultado agradou imediatamente a Gilbert, que tendo invertido a ‘Ice’, resolveu batizá-la inicialmente de ‘Reverse Iceman’, e após sugestão de um fã, acatou a idéia de batizá-la de Fireman, “bombeiro”, em contraposição à Iceman. Ele ainda adicionou ao projeto inicial algumas idéias para ajustar o corpo de forma que permanecesse confortável com o novo visual. A Ibanez apresentou e divulgou a Fireman, em caráter experimental, na NAMM deste ano. Essa guitarra é um exemplo claro de como intervenções dos próprios guitarristas, que claro, não trabalham no departamento de criação das fabricantes, podem resultar em designs com imenso apelo, essa inclusive, candidata forte a se consolidar no catálogo da ibanez. O estilo da Fireman tem apelo àqueles que procuram por uma guitarra com visual moderno, embora traga algumas ressonâncias vintages do estilo extravagante dos baixos Rickenbacker 4001.

 Ibanez Iceman

Ibanez Fireman PGM-FRM1

Rickenbacker 4001

A Fireman tem um lindo corpo em korina, configurada com três captadores single-coils DiMarzio Area 67′, igualmente anguladas no escudo, que recriam a sonoridade das single-coils da fender nos anos 60, bem brilhantes, com agudos bem definidos e timbres clean característicos das stratos dessa época. O braço é colado ao corpo, feito em três peças paralelas, também em korina. Apresenta também ponte Gibraltar II, em padrão similar à Tune-O-Matic, switch de cinco posições e ferragens cromadas. Como de praxe, a Ibanez fabricou apenas uma tiragem limitadíssima da Fireman para observar como se comportam no mercado, especialmente o japonês, que concentra a maior fatia de fanáticos pelo Gilbert. Espera-se que em breve, conforme o andar do interesse, a Ibanez passe a Fireman ao catálogo definitivo de signatures.

Detalhe frontal da Fireman.

Perfeita junção do braço com o corpo.